Fusión electrónica e instrumental contundente. Beats electrónicos, ritmos latinos, sintetizadores que se elevan y cuerdas orquestales, con el violín cabalgando sobre un bajo profundo.
Te envuelve cada vez más en cuerdas exuberantes y emotivas, en un flujo que evoluciona sin parar. Dejé que la historia se escribiera sola, y solo después empecé a entender de qué trataba. El ciclo completo de muerte y renacimiento.
Ligero, libre, luminoso. Trasciende el peso de este mundo y luego fúndete con el más allá. Te lleva a cerrar el círculo, de vuelta al nacimiento esperanzador y misterioso de KAN.
En el simbolismo maya, KAN representa la abundancia, la fertilidad, la virilidad, la maduración y la cosecha.
Producir esta obra fue un enorme proceso de maduración, que me llevó a dar frutos musicales como nunca antes. Comparto esta primera gran cosecha con el profundo deseo de contribuir a una humanidad que madure hacia la abundancia interior y exterior.
Cada paso
Puse muchísimo amor en crear KAN, y me encargué personalmente de cada paso del proceso. La inspiración nació en la Riviera Maya, y lo grabé todo en la Ciudad de México, donde construí con mis propias manos mi primer estudio con tratamiento acústico, coloqué los micrófonos, grabé personalmente cada elemento y luego lo mezclé. Después de una década trabajando junto a otras personas, fue la primera obra larga que hice completamente solo, con calidad de producción profesional.
Fue un enorme proceso de aprendizaje y crecimiento, y agradezco la oportunidad de crearlo. Con él empiezo a devolverle al mundo lo que la vida me dio a los nueve años, cuando puso un violín en mis manos. Me honra aportar mi humilde voz al rico legado de la música humana, y ser un instrumento del espíritu de la música.
KAN es prácticamente la síntesis de toda mi experiencia de vida hasta ahora, expresada en sonido.
Obviamente no soy imparcial, pero no he escuchado nada parecido, y apuesto a que tú tampoco.
Cómo escuchar
Nada de escucha rápida: escucha profunda.
Escucha los 105 minutos de corrido y déjate llevar por el viaje, o ve directo al movimiento que te haga sentir como quieres sentirte.
Quería algo todavía más ambient y etéreo que Wind Sings the Trees, así que estiré los acordes al máximo. La misma progresión armónica aquí se alarga muchísimo y te envuelve lentamente en un paisaje sonoro ambient y profundo.
II. Wind Sings the Trees / Morgan Mandala y Randal Roberts
¿Quieres sentirte enraizado y libre?
Movimiento II 7 min
Wind Sings the Trees
Un dúo contemplativo de guitarra y violín sobre un paisaje sonoro vibrante y lleno de texturas, rebosante de vida.
Me senté afuera de mi habitación en KAN Tulum con mi guitarra de 12 cuerdas mientras el viento cantaba entre los árboles de la selva a mi alrededor. Respiré hondo, absorbí la belleza del momento, y entonces, sin pensarlo, mis manos formaron un acorde de Cmaj7 y fui pulsando despacio cada una de sus notas. Escuché con atención y saboreé la resonancia de la 12 cuerdas, mientras cada nueva nota se mezclaba con las demás, uniéndose a la sinfonía del viento y los árboles antes de desvanecerse lentamente.
ESO me sonó a KAN. Sonaba lleno de belleza, esperanza y asombro. Seguí tocando, y el resto de la progresión armónica de Wind Sings the Trees fluyó con naturalidad desde ahí. Esas armonías se convirtieron en una de las semillas musicales que florecen de maneras únicas a lo largo de los seis movimientos de KAN.
Este fue el primer movimiento que escribí. Sabía que quería algo lento y contemplativo.
III. Tocando las Estrellas / Morgan Mandala y Randal Roberts
¿Quieres sentirte inspirado y maravillado?
Movimiento III 27 min
Tocando las Estrellas
Como un recorrido por el mundo y a través del tiempo. Este viaje dinámico tiene vida propia. Empieza suave y dulce, y luego da algunos giros dramáticos. Solté el control y dejé que contara su propia historia, y nos lleva a lugares que ni yo esperaba. Una fusión de paisajes sonoros diversos que cruza géneros. De verdad, una pieza para escuchar con atención de principio a fin.
Mis manos y mis oídos me llevaron de forma natural hacia armonías cada vez más oscuras, pero no quería que la banda sonora se quedara a oscuras mucho tiempo. Así que escribí una melodía que sube desde abajo mientras la armonía sigue cayendo, en movimiento contrario. La meta era traer algo de luz a una sección oscura, y que esa melodía funcionara tanto contra esos acordes descendentes como por sí sola.
Las sorpresas que no anticipé pero quise permitir: el break de batería, el canto en sánscrito, el momento psicodélico, la sección mozartiana. Terminar este movimiento fue un gran logro emocional, la primera prueba de que podía terminar la obra completa.
Para músicos: cómo se rearmoniza el tema de la esperanza
El descenso cromático, y el tema que sube contra él
Aquí las armonías de KAN toman ritmo por primera vez y evolucionan hacia lugares nuevos. El descenso es cromático, y el tema emergente asciende contra él en movimiento contrario.
La esperanza genera esperanza
Después de lograr escribir este tema que surge y asciende sobre los acordes que bajan cromáticamente, me entró mucha curiosidad por oír cómo sonaría esa misma melodía, ascendente y esperanzadora, sobre una progresión de acordes de otro tipo, más luminosa. En lugar de volver a grabar la melodía para cada armonización, usé exactamente la misma grabación, para dejar aún más claro cuánto puede cambiar el contexto lo que transmite EXACTAMENTE la misma melodía, incluso tocada EXACTAMENTE igual.
Cuando escuché los nuevos acordes con la melodía, me hicieron pensar en un cuarteto o un quinteto con piano de Mozart, así que me atreví a crear una sección en ese estilo. Con el tiempo tuve la idea de una tercera rearmonización en tonalidad menor, que llevó la música en otra dirección. Como violinista, las progresiones de acordes no son mi fuerte, así que disfruté mucho este ejercicio, y cómo llevó la música a lugares inesperados.
Escúchalo tú mismo. La melodía del segundo fragmento es exactamente la misma grabación que la del primero. Solo cambió la armonía que la acompaña.
Entre III y IV
Interdimensional Interlude
Surgió de forma orgánica cuando empecé a jugar con sonidos al final de Tocando las Estrellas, y se convirtió en su propia exploración de paisajes sonoros: puro diseño sonoro, una forma totalmente distinta de acomodar los sonidos.
Le da al oído un descanso de la melodía, la armonía y el ritmo, algo que limpia el paladar después de un movimiento tan sinuoso como el III, para que vuelvas a escuchar con oídos frescos los movimientos que siguen. Nació como parte de una sola pieza continua, y también se puede omitir: el III y el IV fluyen muy bien uno hacia el otro.
IV. Rhythm of the Jungle / Morgan Mandala y Randal Roberts
¿Quieres sentirte lleno de energía y vitalidad?
Movimiento IV 10 min
Rhythm of the Jungle
Fusión electrónica e instrumental contundente para subirte la energía, ponerte a bailar y soltarlo todo. Una mezcla vigorizante de beats electrónicos, ritmos latinos, sintetizadores que se elevan y cuerdas orquestales. Siente el empuje del bajo profundo, con violines exquisitos volando por encima.
Sabía que quería una pieza electrónica más animada. Los acordes me llegaron con facilidad, igual que la manera de moverme entre las distintas progresiones. Todos los tambores que escuchas son reales, grabados en mi estudio, no samples.
Para músicos: las armonías y el sonido de la batería
Las armonías se expanden
En el cuarto movimiento las armonías se expanden para incluir La menor, y luego se entretejen continuamente con las armonías originales durante el resto de la banda sonora.
Colocación de micrófonos
Experimenté con cuatro colocaciones distintas de micrófonos para las pistas de batería y al final me quedé con la amplitud estéreo y la pegada del método Glyn Johns, haciendo lo posible por expresar feeling y creatividad a pesar de mis limitaciones técnicas. Cualli me ayudó con la mezcla de esta pieza.
V. Lluvia Azul / Morgan Mandala y Randal Roberts
¿Quieres sentirte conmovido hasta lo más hondo?
Movimiento V 34 min
Lluvia AzulBlue Rain
Te lleva cada vez más adentro, entre cuerdas exuberantes y emotivas, en un flujo que evoluciona sin parar, lleno de sorpresas. Pasas sin darte cuenta de la contemplación profunda a la inspiración repentina. Dejé que la historia se escribiera sola, y me sorprendió muchas veces en el camino; solo después empecé a entender de qué trataba. En un momento estás en lo más hondo de la desesperación, y antes de que te des cuenta ya atravesaste la noche oscura y saliste al abrazo suave de una nueva luz. Este flujo en constante evolución te lleva por todo el ciclo de muerte y renacimiento, y te reta a soñar con una realidad armoniosa.
Antes de tener ideas musicales claras para la banda sonora, ya podía imaginar algunos de los colores sonoros que quería escuchar. Sabía que los instrumentos de cuerdas dobles serían una parte importante del sonido que imaginaba para KAN, así que compré una guitarra de 12 cuerdas y un ukulele de 8 cuerdas para sumarlos a la mandolina y el charango que ya tenía. También sabía que quería el sonido de un handpan, así que compré un tongue drum de acero en La menor, para tener ese sonido a un precio accesible.
La hermosa resonancia de estos instrumentos de cuerdas dobles es una parte esencial del sonido de KAN, y uno de mis pasajes favoritos de toda la banda sonora, en Stepping Softly into the Promised Land, usa solo estos instrumentos. Me encanta la delicadeza y la textura que forman estos cuatro instrumentos al entretejerse, cada uno con algunos aspectos del sonido en común, y aun así distintos. También me encanta que el sonido más sostenido y dramático del violín por fin se retire, y deje una sensación de amplitud.
Aquí también hay un momento manouche, otra sorpresa que no planeé y que decidí dejar entrar.
VI. Between Earth and Sky / Morgan Mandala y Randal Roberts
¿Quieres sentirte renovado y esperanzado?
Movimiento VI 15 min
Between Earth and Sky
Ligero, libre, luminoso y esperanzado. Trasciende el peso de este mundo y luego fúndete con el más allá. Destella y brilla mientras te lleva a cerrar el círculo, de vuelta al nacimiento esperanzador y misterioso de KAN.
Antes de que Sam Gordon me pidiera escribir la banda sonora oficial de KAN, un día me llamó diciendo que necesitaba buena música original para un video. En ese momento yo estaba trabajando en Between Earth and Sky como composición de live looping para mi álbum en vivo Less Than Three. Sentí que el carácter sereno y luminoso de la pieza podía funcionar bien, así que le mandé una grabación en vivo que había hecho. Le encantó, y dijo que quedaba perfecta.
Así que después, cuando me pidió escribir la banda sonora de KAN, supe que quería hacer una versión de estudio ampliada que desarrollara más la música y la uniera con las demás ideas musicales de KAN. Disfruté mucho poder reimaginar esta pieza sin las limitaciones estrictas que me impuse en Less Than Three.
Me hizo muy feliz que las últimas ideas musicales se unieran al final de Between Earth and Sky y cerraran toda la banda sonora de KAN como empezó: en una espiral que sube sin parar.
Notas del año que me llevó. La intención era dejar que la música evolucionara y se escribiera sola como quisiera, y no moldearla según lo que yo creía que ellos querían.
Samuel Gordon, fundador de KAN Tulum, me llamó y me dijo: “Queremos que escribas la banda sonora de KAN, para que suene en todo el hotel y en nuestros videos”.
“Sería un honor”, le dije. “Cuéntame más de lo que buscan”.
“No sabemos. Tú eres el músico, nos encanta lo que haces y confiamos en ti. Haz lo que quieras para nosotros, como quieras hacerlo”.
Ese es, sin duda, el tipo de encargo con el que sueña cualquier artista. Sabía que tenía que hacer algo especial, pero no tenía una idea clara de qué. Así que visité KAN Tulum y me inspiré en la tierra, la arquitectura y la intención de un espacio diseñado para coexistir armoniosamente con la naturaleza. En esa visita descubrí las semillas musicales que con el tiempo darían vida al viaje musical de seis movimientos que es la banda sonora de KAN.
Semillas musicales
La semilla armónica llegó primero, en una guitarra de 12 cuerdas afuera de mi habitación en Tulum, con el viento cantando entre los árboles. Esa historia está arriba, en Wind Sings the Trees.
Luego quise encontrar una idea musical pequeña, lo que en la música clásica llamaríamos un motivo, para representar a KAN. Me gustó la idea de asignar una nota a cada una de las tres letras. Sentí que la A debía subir para sonar más abierta, y que la N debía bajar para dar una sensación de cierre.
Y después de encontrar la primera progresión de acordes, empecé a puntearla con ritmo, y un patrón no dejaba de salir. Quizá sea por falta de versatilidad técnica como guitarrista, pero sentía que ese patrón rítmico me jalaba de vuelta cada vez que trabajaba en KAN, así que se convirtió en la idea rítmica central.
Para músicos: las tres semillas, por su nombre
La semilla armónica
Cmaj7, punteado nota por nota en una guitarra de 12 cuerdas. La progresión que nació de ahí recorre los seis movimientos: estirada al máximo en Lo Intempestivo, con ritmo por primera vez en Tocando las Estrellas, y ampliada para incluir La menor en Rhythm of the Jungle. Aquí está, desde el inicio de Wind Sings the Trees.
La semilla melódica
Tres notas que dibujan ese primer acorde de Cmaj7, una por cada letra de KAN: si, do y sol. La A sube para sonar más abierta, la N baja para cerrar. Eso se convirtió en una de las ideas melódicas centrales desarrolladas a lo largo de la banda sonora.
La semilla rítmica
El patrón de fingerpicking que volvía una y otra vez. Al combinar ese ritmo con el primer acorde de Cmaj7 nació la segunda idea melódica central, que aparece por todo KAN: en el fingerpicking que abre Tocando las Estrellas, en Rhythm of the Jungle y en muchos otros lugares. Es la más difícil de las tres de señalar en una grabación, porque está entretejida en todo en lugar de aparecer sola, así que aquí está en partitura.
Un ritmo, escrito de dos formas
Elegir pasar de la oscuridad a la luz
La primera progresión armónica de KAN plantea una elección sencilla: a dónde queremos llegar, partiendo de las mismas circunstancias. Empieza igual las dos veces. A la mitad pasamos a un acorde menor, que para mí trae una sensación de tristeza. La segunda vez simplemente cambiamos al mayor, que de pronto se siente como el nuevo hogar, verdadero y positivo, de toda la banda sonora.
La idea, por supuesto, no es forzar la positividad ni ignorar las penas de nuestra existencia. Se trata de reconocer que en el momento presente, lleno de potencial aún sin definir, con la misma historia detrás, tenemos la opción de hundirnos en la desesperación o de accionar el interruptor hacia una realidad armoniosa.
Esto representa la elección que tenemos en cada momento: en qué enfocamos la atención, hacia qué apuntamos y qué realidad elegimos cultivar, tanto interna como colectivamente. Están pasando muchas cosas, y a veces esto puede parecer complicado. A veces de verdad es tan simple como elegir.
La música refleja ese cambio. En cada paso del camino a lo largo de la banda sonora podemos llegar a ese acorde de resolución como Mi menor o como Mi mayor. Los dos funcionan. Es simplemente una elección.
Aprovechar mis debilidades
La progresión de acordes de KAN es relativamente simple. Soy ante todo violinista: mi comprensión técnica de las progresiones armónicas es algo que sigo desarrollando, pero no siento que sea mi fuerte, ni algo que haya aprendido de forma natural en mis estudios musicales, como quizá le pasaría a un pianista. En lugar de verlo como un obstáculo, intenté dejar que mi ignorancia abriera la puerta a un descubrimiento intuitivo de las armonías. Escribí la mayoría de las progresiones en la guitarra: dejaba que mis manos probaran ir a distintos lugares sin saber cómo sonaría, me quedaba con los acordes que me gustaban y luego usaba mis conocimientos de teoría musical para analizarlos y llevarlos a otros instrumentos.
Dejar que se escriba sola
No empecé con una idea clara de cuánto duraría, ni de cuántos movimientos tendría. Hubo grandes sorpresas que no anticipé pero quise permitir: el break de batería, el canto en sánscrito, el momento psicodélico y la sección mozartiana en Tocando las Estrellas, el momento manouche en Lluvia Azul. Y me hizo muy feliz que las últimas ideas musicales se unieran al final de Between Earth and Sky y cerraran toda la banda sonora como empezó, en una espiral que sube sin parar.
Una cosa más se escribió sola. Afiné las cuerdas entre sí en lugar de con un afinador cromático, y los cambios de temperatura desafinan los instrumentos. La afinación de la mayoría de los instrumentos fue subiendo y subiendo con los meses, y corregí la de los que estaban más bajos para igualarlos con el resto. El final de la banda sonora queda unos treinta cents más alto que el principio.
Por qué grabar cada parte yo mismo
En lugar de grabar a profesionales especializados en cada instrumento:
Para ver qué podía lograr completamente solo, después de años de colaboraciones.
Para mejorar en mis puntos débiles. Grabarse es una herramienta increíble para escuchar mejor los errores.
Para ser dueño del cien por ciento de todos los derechos.
Para quedarme en mi flujo creativo personal, sin necesidad de formalizar ni externalizar las partes. Para grabar las partes que quería escuchar conforme se me ocurrían, y permitir que la música se escribiera sola.
Sabía que mis habilidades con el violín superan por mucho mis capacidades técnicas en cualquier otro instrumento, pero sentía que mi nivel en los demás era suficiente para lo que la banda sonora necesitaba. Quería ver qué podía hacer completamente solo, grabando cada instrumento y cada voz por mi cuenta. Muchas veces descubrí que no era lo bastante bueno en el instrumento que estaba tocando para ejecutar la idea musical que tenía en mente. En lugar de desanimarme, recurrí a mi paciencia y elegí verlo como una oportunidad para crecer.
Recontextualizar la meta
La meta de hacer KAN podía concebirse de muchas maneras distintas, y según en cuál me enfocara, me llevaba a un sentimiento distinto, un estado interno distinto, una motivación distinta y una visión distinta de hacia dónde iba. También influyó en cómo lo produje: en las propias decisiones musicales y de producción.
Así que intenté iluminar toda la constelación de metas contenidas dentro de la meta de hacer KAN, y cambiar el enfoque entre ellas para mantenerme positivo, en equilibrio y lo más concentrado posible:
La meta era crear una experiencia musical increíble.
La meta era aprender a crear una experiencia musical increíble. Cómo grabar, cómo mezclar.
La meta era mejorar mis habilidades en cada instrumento.
La meta era convertirme en una persona que termina lo que empieza.
Ver qué era capaz de crear completamente solo.
La meta era descubrir más sobre mí mismo a través del proceso creativo.
La meta era convertirme en un conducto más claro por el que puedan fluir la inspiración y la creatividad universales.
Entregar una banda sonora que funcionara para KAN Tulum.
Afinar mi oído.
En la práctica funcionó así. Cuando no lograba una toma limpia de una parte de guitarra, tener como meta “entregar un álbum de máxima calidad” hacía que los zumbidos se sintieran como un fracaso, y desde ahí es difícil mantenerse motivado. Cambiar el enfoque a “mejorar mis habilidades en cada instrumento” convirtió esa misma tarde justo en aquello para lo que servía. El proyecto de grabación se volvió una herramienta al servicio de mi guitarra.
Lo técnico funcionó igual. Experimentar con cuatro configuraciones de micrófonos en la batería era lento, y frente a la meta de terminar parecía un obstáculo. Frente a la meta de aprender cómo crear una experiencia musical increíble, cómo grabar, cómo mezclar, cómo elegir y ajustar un preamplificador, era la meta misma. Estaba logrando justo lo que había decidido hacer.
En qué no soy tan increíble como parece
Sin duda KAN fue un gran logro, y honestamente me sorprendió lo que conseguí. No quiero restarle mérito. Pero creo que importa ser transparente sobre los puntos débiles en lugar de mostrar solo el triunfo.
A veces montones de tomas para conseguir una buena. Las tomas de voz son reales, sin autotune ni retoques, pero les falta regularidad. Trasteos de guitarra.
La guitarra manouche se grabó acorde por acorde. Poner la mano en un acorde, grabar un minuto, encontrar la posición del siguiente acorde, grabar un minuto, seguir hasta tener todos los acordes grabados, extraer los loops que mejor suenan de cada acorde, armar la progresión. Un guitarrista manouche profesional podría tocarlo fácilmente, y mejor, en una sola toma, pero yo todavía no tengo esa fluidez.
El piano es MIDI. Lo toqué en vivo, pero ajusté el MIDI en posproducción cuando hizo falta. Mi técnica en el teclado tampoco está tan pulida como me gustaría.
Cuantización en Lluvia Azul. En algunos momentos los ritmos entrelazados no embonaban. A veces los volví a grabar, a veces los ajusté en posproducción.
Corrección de afinación en los instrumentos, y en Dreams Become Reality una diferencia de afinación entre la voz y las cuerdas.
Ayuda de Cualli en la mezcla de Rhythm of the Jungle. Ayuda de Chema en la mezcla de todas las baterías, y en general.
Sentir que nunca terminaría nada
Hubo un gran desbloqueo emocional al terminar Tocando las Estrellas, y otro después, al terminar toda la banda sonora. La presión externa de saber que Sam contaba conmigo ayudó mucho a seguir trabajando hasta el final. Y también la fuerza de una decisión firme: no soltarlo y seguir presentándome día tras día.
Antes de KAN saltaba seguido de proyecto en proyecto, dejando detrás un rastro de trabajos sin terminar, Less Than Three entre ellos. Había terminado obras más pequeñas, pero esta fue la primera vez que llevé un proyecto grande hasta el final, y demostrarme por fin que podía me cambió la vida.
Es más importante completar un proyecto que trabajar en el proyecto perfecto.
Los cambios de mentalidad que me hicieron terminar las cosas: en video y en Substack.
Instrumentos reales, no samples
Quería grabarme tocando instrumentos reales en la mayor parte posible de la banda sonora de KAN. Por ejemplo, fácilmente podría haber encontrado un sample de handpan o de tongue drum con muy buen sonido, pero quería, en la medida de lo posible, que llevara mi toque humano y personal, escucharlo y recordar que lo grabé con mis propias manos. Quería que no sonara simplemente como cualquier otro tema que usa un buen sample de handpan de una librería popular, sino que estuviera impregnado de su propio sonido: el sonido de mi estudio construido a mano, el sonido de las resonancias naturales que surgen de las interacciones entre las distintas frecuencias en el cuerpo del tambor. Quería que fuera real, aunque programarlo habría sido más simple.
Para los fanáticos del equipo de audio: qué compré y por qué
Buena relación calidad-precio, unos niveles más arriba
Casi toda mi vida me ha atraído el equipo económico que rinde mucho más de lo que cuesta. Es increíble ver avanzar la tecnología musical, y me encanta ver lo bien que puede sonar algo tan barato, ahora que sale equipo nuevo todo el tiempo. Incluso como músico profesional serio, de alguna manera sentía que era más responsable comprar buen equipo económico y luego encontrar maneras creativas e ingeniosas de sacarle el máximo provecho, en lugar de pagar una fortuna por equipo premium de marca. Pensaba que si podía conseguir el ochenta por ciento de la calidad por el veinte por ciento del precio, eso era más responsable.
Pero para KAN, ese veinte por ciento de diferencia en calidad me parecía importante, así que decidí experimentar con otra mentalidad. Me di cuenta de que el equipo económico puede sonar sorprendentemente bien para su precio. Pero aun así, “para su precio” no es lo mismo que “suena sorprendentemente bien, y punto”. ¿Y si conservaba mi amor por el equipo de alto valor, pero lo aplicaba unos niveles más arriba? En lugar de pagar cincuenta dólares por un micrófono que suena como uno de trescientos, ¿por qué no gastar trescientos en un micrófono que suena como uno de mil quinientos?
Lo que compré en realidad
Un par de micrófonos Stellar X2 emparejados y un Stellar X2 Vintage para otro color de sonido, y grabé casi todo con ellos, colocados de distintas maneras. La interfaz de audio fue una decisión difícil, pero al final decidí hacer algo que nunca habría hecho antes y comprar la marca de referencia en audio prosumer, la Universal Audio Apollo Twin X. Las buenas interfaces económicas que tenía antes me habían impresionado, pero después de una comparación A/B de configuraciones idénticas con distintas interfaces, me asombró que la UA realmente sonaba muchísimo mejor. Valió totalmente la pena la inversión, sobre todo porque Samuel Gordon me dio el presupuesto para ello. También cambié mis monitores de estudio por un par de Kali IN-5, muchísimo mejores que los anteriores.
No tenía presupuesto para que todo fuera premium, así que encontré instrumentos económicos de calidad decente, construí los paneles acústicos desde cero y usé corteza gruesa de árbol, recogida en mis caminatas por el bosque, como difusores acústicos. Identifiqué los lugares donde invertir en gama alta importaría más, y dónde podía recortar costos para que todo funcionara.
Escúchalo completo
La banda sonora de KAN te reta a entrar en una realidad armoniosa.
KAN es instrumental, cinematográfico y está construido por atmósferas: justo lo que suele buscar un supervisor musical. Soy dueño de todos sus derechos, así que licenciarlo es una sola conversación en lugar de cinco.
Un hotel llamó y me dijo que hiciera lo que quisiera, como quisiera hacerlo. Si tienes un espacio, una película o un proyecto que necesita su propia música, cuéntame qué sensación buscas.
Compuesto, interpretado, grabado, producido, mezclado y masterizado digitalmente por Samuel Wexler. Arte de Morgan Mandala y Randal Roberts. Originalmente un encargo de KAN Tulum, que luego cobró vida propia. Ayuda en la mezcla de Cualli en Rhythm of the Jungle, y de Chema Davila en la batería, comentarios sobre la mezcla general y masterización analógica. Publicado el 17 de mayo de 2022.
