Wie eine Reise um die Welt und durch die Zeit. Ich habe losgelassen und es seine eigene Geschichte erzählen lassen, und es führt an Orte, mit denen selbst ich nie gerechnet hätte.
Wuchtige Fusion aus Elektronik und Instrumenten. Elektronische Beats, lateinamerikanische Rhythmen, aufsteigende Synthesizer und Orchesterstreicher, und die Geige reitet auf einem tiefen, treibenden Bass.
Zieht dich immer tiefer in üppige, bewegende Streicher, in einem Fluss, der sich ständig wandelt. Ich ließ die Geschichte sich selbst schreiben und verstand erst später, was sie erzählt. Der ganze Kreislauf von Tod und Wiedergeburt.
Leicht, frei, leuchtend. Lass die Schwere dieser Welt hinter dir und verschmilz mit dem Jenseits. Der Kreis schließt sich: Es trägt dich zurück zur hoffnungsvollen, geheimnisvollen Geburt von KAN.
In der Symbolik der Maya steht KAN für Fülle, Fruchtbarkeit, Manneskraft, Reifung und Ernte.
Die Produktion dieses Werks war ein gewaltiger Reifungsprozess, der mich musikalisch Früchte tragen ließ wie nie zuvor. Ich teile diese erste große Ernte mit dem tiefen Wunsch, zu einer Menschheit beizutragen, die zu innerer und äußerer Fülle heranreift.
Jeder einzelne Schritt
Ich habe so viel Liebe in KAN gesteckt und jeden einzelnen Schritt des Prozesses selbst übernommen. Die Inspiration für diese Musik begann an der mexikanischen Riviera Maya, und aufgenommen habe ich alles in Mexiko-Stadt, wo ich mein erstes akustisch optimiertes Studio mit eigenen Händen gebaut, die Mikrofone gesetzt, jedes einzelne Element selbst aufgenommen und dann gemischt habe. Nach zehn Jahren, in denen ich mit anderen zusammengearbeitet hatte, war dies das erste abendfüllende Werk, das ich ganz allein gemacht habe, auf professionellem Produktionsniveau.
Es war ein gewaltiger Prozess des Lernens und Wachsens, und ich bin dankbar für die Gelegenheit, es zu erschaffen. Damit beginne ich, der Welt zurückzugeben, was das Leben mir mit neun gab, als es mir eine Geige in die Hände legte. Es ist mir eine Ehre, meine bescheidene Stimme zum reichen Erbe der menschlichen Musik beizutragen und ein Instrument des Geistes der Musik zu sein.
KAN ist im Grunde die Synthese meiner gesamten bisherigen Lebenserfahrung, in Klang ausgedrückt.
Ich bin natürlich befangen, aber ich habe noch nie etwas gehört, das so klingt, und ich wette, du auch nicht.
Hörempfehlung
Kein Nebenbeihören. Tiefes Hören.
Hör die vollen 105 Minuten am Stück und lass dich auf die Reise mitnehmen, oder spring direkt zu dem Satz, der dich in die Stimmung bringt, die du suchst.
Ich wollte etwas noch Atmosphärischeres und Flächigeres als Wind Sings the Trees, also habe ich die Akkorde bis zum Äußersten gedehnt. Dieselbe Akkordfolge wird hier weit auseinandergezogen und umspült dich langsam in der tiefen Ambient-Klanglandschaft.
II. Wind Sings the Trees / Morgan Mandala und Randal Roberts
Willst du dich geerdet & frei fühlen?
Satz II 7 min
Wind Sings the Trees
Ein kontemplatives Duett aus Gitarre und Geige auf einer lebendigen, texturreichen Klanglandschaft, die vor Leben summt.
Ich saß vor meinem Zimmer in KAN Tulum mit meiner 12-saitigen Gitarre, während der Wind durch die Dschungelbäume um mich herum sang. Ich atmete tief ein, sog die Schönheit des Moments auf, und dann, ohne nachzudenken, formten meine Hände den Cmaj7-Akkord, und ich zupfte langsam jeden einzelnen Ton. Ich hörte aufmerksam zu und genoss den Nachklang der Zwölfsaitigen, wie jeder neue Ton mit den anderen verschmolz, sich der Symphonie von Wind und Bäumen anschloss und dann langsam verklang.
DAS klang für mich nach KAN. Es klang voller Schönheit, Hoffnung und Staunen. Ich spielte weiter, und der Rest der Akkordfolge von Wind Sings the Trees floss von da an wie von selbst. Diese Harmonien wurden zu einem der musikalischen Keime, die in allen sechs Sätzen von KAN auf jeweils eigene Weise aufblühen.
Das war der erste Satz, den ich schrieb. Ich wusste, ich wollte etwas Langsames und Kontemplatives.
III. Tocando las Estrellas / Morgan Mandala und Randal Roberts
Willst du dich inspiriert & voller Staunen fühlen?
Satz III 27 min
Tocando las Estrellas
Wie eine Reise um die Welt und durch die Zeit. Diese dynamische Reise hat ein Eigenleben. Sie beginnt sanft und süß, dann nimmt sie dramatische Wendungen. Ich habe losgelassen und sie ihre eigene Geschichte erzählen lassen, und sie führt uns an Orte, mit denen selbst ich nie gerechnet hätte. Eine Fusion verschiedener Klanglandschaften quer durch die Genres. Ein Stück, bei dem es sich lohnt, von Anfang bis Ende wirklich hinzuhören.
Meine Hände und Ohren führten mich hier ganz natürlich in eine dunkler werdende Folge von Harmonien, aber ich wollte nicht, dass der Soundtrack lange im Dunkeln bleibt. Also schrieb ich eine Melodie, die von unten aufsteigt, während die Harmonie weiter fällt, in entgegengesetzter Richtung. Das Ziel war, Licht in einen dunklen Abschnitt zu bringen, und dass die Melodie sowohl gegen die fallenden Akkorde als auch für sich allein funktioniert.
Die Überraschungen, die ich nicht vorausgesehen hatte, aber zulassen wollte: der Drum-Break, der Sanskrit-Gesang, der psychedelische Moment, der Mozart-Abschnitt. Diesen Satz zu beenden war ein großer emotionaler Durchbruch, der erste Beweis für mich selbst, dass ich das Ganze fertigstellen konnte.
Für Musiker: wie das Hoffnungsthema neu harmonisiert wird
Der chromatische Abstieg und das Thema, das sich dagegen erhebt
Hier bekommen die KAN-Harmonien zum ersten Mal Rhythmus und entwickeln sich weiter, in neue Richtungen. Der Abstieg ist chromatisch, und das aufkommende Thema steigt in Gegenbewegung dagegen an.
Hoffnung erzeugt Hoffnung
Nachdem es mir gelungen war, dieses aufsteigende Thema über den chromatisch fallenden Akkorden zu schreiben, wollte ich unbedingt hören, wie dieselbe hoffnungsvolle, aufsteigende Melodie über einer völlig anderen Art von Akkordfolge klingen würde, einer positiveren. Statt die Melodie für jede Harmonisierung neu aufzunehmen, habe ich exakt dieselbe Aufnahme verwendet, um noch stärker zu betonen, wie dramatisch der Kontext das Gefühl EXAKT derselben Melodie verändern kann, selbst wenn sie EXAKT gleich gespielt wird.
Als ich die neuen Akkorde mit der Melodie hörte, dachte ich an ein Mozart-Quartett oder Klavierquintett, also versuchte ich mich an einem Abschnitt in diesem Stil. Schließlich hatte ich die Idee zu einer dritten Reharmonisierung in Moll, die die Musik in eine andere Richtung führte. Akkordfolgen sind als Geiger nicht gerade meine Stärke, deshalb habe ich diese Übung sehr genossen, ebenso wie die Art, wie sie die Musik an unerwartete Orte führte.
Hör selbst. Die Melodie im zweiten Ausschnitt ist genau dieselbe Aufnahme wie im ersten. Nur die Harmonie darunter hat sich verändert.
Zwischen III und IV
Interdimensional Interlude
Es ist organisch entstanden, als ich am Ende von Tocando las Estrellas mit Klängen zu spielen begann, und wurde zu einer eigenen Erkundung von Klanglandschaften: reines Sounddesign, eine völlig andere Art, Klänge anzuordnen.
Es lässt das Ohr von Melodie, Harmonie und Rhythmus ausruhen, wie ein Sorbet zwischen den Gängen nach einem so verschlungenen Satz wie III, damit du die folgenden Sätze mit frischen Ohren hörst. Es entstand als Teil eines durchgehenden Stücks und kann auch weggelassen werden: III und IV gehen gut ineinander über.
IV. Rhythm of the Jungle / Morgan Mandala und Randal Roberts
Willst du dich energiegeladen & vital fühlen?
Satz IV 10 min
Rhythm of the Jungle
Wuchtige Fusion aus Elektronik und Instrumenten, die dich pusht, zum Tanzen bringt und dich alles rauslassen lässt. Eine belebende Mischung aus elektronischen Beats, lateinamerikanischen Rhythmen, aufsteigenden Synthesizern und Orchesterstreichern. Spür den Drive des tiefen Basses, mit exquisiten Geigen, die darüber schweben.
Ich wusste, dass ich einen beschwingteren elektronischen Track wollte. Die Akkorde kamen mir leicht, ebenso der Weg zwischen den verschiedenen Akkordfolgen. Jede Trommel, die du hörst, ist eine echte Trommel, in meinem Studio aufgenommen, kein Sample.
Für Musiker: die Harmonien und der Schlagzeugsound
Die Harmonien weiten sich
Im vierten Satz erweitern sich die Harmonien um a-Moll und verweben sich im Rest des Soundtracks immer wieder mit den ursprünglichen Harmonien.
Mikrofonplatzierung
Ich habe für die Schlagzeugspuren vier verschiedene Mikrofonplatzierungen ausprobiert. Am Ende gefielen mir die Stereobreite und der Punch der Glyn-Johns-Methode am besten. Trotz meiner technischen Grenzen habe ich versucht, Gefühl und Kreativität hineinzulegen. Beim Mix dieses Satzes hat Cualli geholfen.
V. Lluvia Azul / Morgan Mandala und Randal Roberts
Willst du dich bewegt & tief berührt fühlen?
Satz V 34 min
Lluvia AzulBlue Rain
Er zieht dich immer tiefer in üppige, gefühlvolle Streicher, in einem sich ständig wandelnden Fluss voller Überraschungen. Nahtlos geht es von tiefer Kontemplation zu plötzlicher Inspiration. Ich ließ die Geschichte sich selbst schreiben, sie hat mich unterwegs oft überrascht, und erst später verstand ich, was sie erzählt. In einem Moment bist du in den Tiefen der Verzweiflung, und ehe du dich versiehst, hast du die dunkle Nacht durchquert und bist in die sanfte Umarmung eines neuen Lichts getreten. Dieser sich ständig wandelnde Fluss führt dich durch den ganzen Kreislauf von Tod und Wiedergeburt und ermutigt dich, von einer harmonischen Wirklichkeit zu träumen.
Bevor ich irgendwelche klaren musikalischen Ideen für den Soundtrack hatte, konnte ich mir schon einige der Klangfarben vorstellen, die ich hören wollte. Ich wusste, dass doppelchörige Instrumente ein wichtiger Teil des Gesamtklangs sein würden, den ich mir für KAN vorstellte, also kaufte ich eine 12-saitige Gitarre und eine 8-saitige Ukulele, zusätzlich zur Mandoline und zum Charango, die ich schon hatte. Ich wusste auch, dass ich den Klang einer Handpan wollte, also kaufte ich eine Steel Tongue Drum in a-Moll, um diesen Klang erschwinglich zur Hand zu haben.
Die wunderschöne Resonanz dieser doppelchörigen Instrumente ist ein zentraler Teil des KAN-Klangs, und eine meiner liebsten Stellen des ganzen Soundtracks besteht nur aus diesen Instrumenten, in Stepping Softly into the Promised Land. Ich liebe die Zartheit und die Textur, die diese vier Instrumente bilden, wenn sie sich ineinander verflechten, jedes mit manchen Klangaspekten gemeinsam und doch verschieden. Ich liebe auch, dass der gehaltenere, dramatischere Klang der Geige endlich weicht und ein Gefühl von Weite entsteht.
Auch hier gibt es einen Manouche-Moment, eine weitere Überraschung, die ich nicht geplant hatte und zuzulassen beschloss.
VI. Between Earth and Sky / Morgan Mandala und Randal Roberts
Willst du dich frisch & hoffnungsvoll fühlen?
Satz VI 15 min
Between Earth and Sky
Leicht, frei, leuchtend und hoffnungsvoll. Lass die Schwere dieser Welt hinter dir und verschmilz mit dem Jenseits. Es funkelt und glänzt, während der Kreis sich schließt und es dich zurückträgt zur hoffnungsvollen und doch geheimnisvollen Geburt von KAN.
Bevor Sam Gordon mich bat, den offiziellen KAN-Soundtrack zu schreiben, rief er mich eines Tages an und sagte, er brauche gute Originalmusik für ein Video. Damals arbeitete ich an Between Earth and Sky als Live-Looping-Komposition für mein Live-Album Less Than Three. Ich fand, der friedliche, leuchtende Charakter der Komposition würde gut passen, also schickte ich ihm eine Live-Aufnahme, die ich gemacht hatte. Er war begeistert und meinte, sie passe perfekt.
Als er mich später bat, den KAN-Soundtrack zu schreiben, wusste ich, dass ich eine erweiterte Studioversion machen wollte, die die Musik weiterentwickelt und mit den anderen musikalischen Ideen von KAN zusammenführt. Ich habe es sehr genossen, dieses Stück ohne die strengen Grenzen neu zu denken, die ich mir bei Less Than Three selbst gesetzt hatte.
Ich war so glücklich, als sich die letzten musikalischen Ideen am Ende von Between Earth and Sky zusammenfügten und den ganzen KAN-Soundtrack so beschlossen, wie er begann: in einer ununterbrochenen Spirale nach oben.
Notizen aus dem Jahr, das es gedauert hat. Die Absicht war, die Musik sich so entwickeln und selbst schreiben zu lassen, wie sie wollte, und sie nicht nach dem zu formen, was sie meiner Meinung nach wollten.
Samuel Gordon, Gründer von KAN Tulum, rief mich an und sagte: „Wir wollen, dass du den KAN-Soundtrack schreibst, für das ganze Hotel und für unsere Videos.“
„Das wäre mir eine Ehre“, sagte ich. „Erzähl mir mehr davon, was ihr euch vorstellt.“
„Wir wissen es nicht. Du bist der Musiker, wir lieben, was du machst, und wir vertrauen dir. Mach, was du für uns machen willst, und zwar so, wie du willst.“
Das ist zweifellos die Art Auftrag, von der jeder Künstler träumt. Ich wusste, ich musste etwas Besonderes machen, hatte aber keine klare Vorstellung, was. Also besuchte ich KAN Tulum und ließ mich vom Land, von der Architektur und von der Absicht eines Ortes inspirieren, der im Einklang mit der Natur entworfen wurde. Bei diesem Besuch entdeckte ich die musikalischen Keime, aus denen schließlich die sechssätzige Reise des KAN-Soundtracks erwachsen sollte.
Musikalische Keime
Der harmonische Keim kam zuerst, auf einer 12-saitigen Gitarre vor meinem Zimmer in Tulum, während der Wind durch die Bäume sang. Diese Geschichte steht oben unter Wind Sings the Trees.
Dann wollte ich eine kleine musikalische Idee finden, die KAN repräsentiert, in der klassischen Musik würde man sagen: ein Motiv. Mir gefiel die Idee, jedem der drei Buchstaben einen Ton zuzuordnen. Das A sollte steigen, um offener zu wirken, und das N fallen, um ein Gefühl des Abschlusses zu geben.
Und nachdem ich die erste Akkordfolge gefunden hatte, begann ich sie rhythmisch zu zupfen, und ein Muster kam immer wieder heraus. Vielleicht aus Mangel an technischer Vielseitigkeit als Gitarrist, aber jedes Mal, wenn ich an KAN arbeitete, zog es mich zu diesem Rhythmus zurück, also wurde er die zentrale rhythmische Idee.
Für Musiker: die drei Keime im Einzelnen
Der harmonische Keim
Cmaj7, Ton für Ton auf einer 12-saitigen Gitarre gezupft. Die Akkordfolge, die daraus wuchs, zieht sich durch alle sechs Sätze: bis zum Äußersten gedehnt in Lo Intempestivo, zum ersten Mal rhythmisch in Tocando las Estrellas und um a-Moll erweitert in Rhythm of the Jungle. Hier ist sie, vom Anfang von Wind Sings the Trees.
Der melodische Keim
Drei Töne, die den ersten Cmaj7-Akkord umreißen, einer für jeden Buchstaben von KAN: H, C und G. Das A steigt, um offener zu wirken, das N fällt, um zu schließen. Das wurde eine der zentralen melodischen Ideen, die sich durch den ganzen Soundtrack entwickeln.
Der rhythmische Keim
Das Fingerpicking-Muster, das immer wiederkam. Dieser Rhythmus zusammen mit dem ersten Cmaj7-Akkord ergab die zweite zentrale melodische Idee, und sie taucht überall in KAN auf: im Fingerpicking, mit dem Tocando las Estrellas beginnt, in Rhythm of the Jungle und an vielen anderen Stellen. Von den dreien ist sie in einer Aufnahme am schwersten zu zeigen, weil sie in alles eingewoben ist, statt allein zu erklingen, deshalb hier in Noten.
Ein Rhythmus, zweifach notiert
Sich entscheiden, vom Dunkel ins Licht zu gehen
Die erste Akkordfolge von KAN stellt uns vor eine einfache Wahl: Wo wollen wir unter denselben Umständen ankommen? Sie beginnt beide Male gleich. Auf halbem Weg geht es zu einem Mollakkord, der für mich Traurigkeit bringt. Beim zweiten Mal wechseln wir einfach nach Dur, und das fühlt sich plötzlich an wie das neue, wahre und positive Zuhause des ganzen Soundtracks.
Es geht natürlich nicht darum, Positivität zu erzwingen oder das Leid unseres Daseins zu ignorieren. Es geht darum zu erkennen, dass wir im gegenwärtigen Moment, in dem noch alles offen ist, bei gleicher Vorgeschichte die Wahl haben, in Verzweiflung zu versinken oder den Schalter umzulegen, hin zu einer harmonischen Wirklichkeit.
Das steht für die Wahl, die wir in jedem Moment haben: worauf wir unsere Aufmerksamkeit richten, wonach wir streben und welche Wirklichkeit wir pflegen, innerlich und gemeinsam. Es ist viel los, und manchmal fühlt sich das kompliziert an. Manchmal genügt es wirklich, sich zu entscheiden.
Die Musik spiegelt diesen Umschwung. An jeder Stelle des Soundtracks können wir bei diesem Auflösungsakkord als e-Moll oder E-Dur ankommen. Beides funktioniert. Es ist einfach eine Wahl.
Meine Schwächen nutzen
Die KAN-Akkordfolge ist verhältnismäßig einfach. Ich bin in erster Linie Geiger: Mein technisches Verständnis von Akkordfolgen entwickle ich weiter, aber ich empfinde es nicht als meine Stärke, und ich habe es in meinem Musikstudium auch nicht so selbstverständlich gelernt, wie es ein Pianist vielleicht getan hätte. Statt das als Hindernis zu sehen, versuchte ich, gerade mein Nichtwissen zur Tür für ein intuitives Entdecken der Harmonien zu machen. Die meisten Akkordfolgen schrieb ich auf der Gitarre, ließ meine Hände experimentieren und an verschiedene Orte gehen, ohne zu wissen, wie es klingen würde, behielt die Akkorde, die mir gefielen, und nutzte dann mein Wissen über Musiktheorie, um sie zu analysieren und auf andere Instrumente zu übertragen.
Es sich selbst schreiben lassen
Ich begann ohne klare Vorstellung davon, wie lang es werden würde oder wie viele Sätze. Es gab große Überraschungen, die ich nicht vorausgesehen hatte, aber zulassen wollte: den Drum-Break, den Sanskrit-Gesang, den psychedelischen Moment und den Mozart-Abschnitt in Tocando las Estrellas, den Manouche-Moment in Lluvia Azul. Und ich war so glücklich, als sich die letzten musikalischen Ideen am Ende von Between Earth and Sky zusammenfügten und den ganzen Soundtrack so beschlossen, wie er begann: in einer ununterbrochenen Spirale nach oben.
Noch etwas hat sich selbst geschrieben. Ich habe die Saiten aufeinander gestimmt statt auf ein chromatisches Stimmgerät, und Temperaturwechsel verstimmen Instrumente. Die Tonhöhe der meisten Instrumente stieg über die Monate immer weiter, und die tieferen habe ich per Pitch-Korrektur an den Rest angeglichen. Das Ende des Soundtracks liegt etwa dreißig Cent höher als der Anfang.
Warum ich jede Stimme selbst aufnahm
Statt Profis aufzunehmen, die auf ihr jeweiliges Instrument spezialisiert sind:
Um zu sehen, was ich ganz allein erreichen kann, nach Jahren der Zusammenarbeit.
Um an meinen Schwächen zu arbeiten. Aufnahmen sind ein großartiges Werkzeug, um Fehler besser zu hören.
Um sämtliche Rechte zu hundert Prozent zu besitzen.
Um in meinem persönlichen kreativen Fluss zu bleiben, ohne die Stimmen ausschreiben oder an andere abgeben zu müssen. Um die Stimmen aufzunehmen, die ich hören wollte, sobald sie mir einfielen, und die Musik sich selbst schreiben zu lassen.
Ich wusste, dass meine Fähigkeiten an der Geige meine technischen Fähigkeiten an jedem anderen Instrument bei Weitem übertreffen, fand aber, dass mein Können an den anderen Instrumenten für die Zwecke des Soundtracks ausreichte. Ich wollte sehen, was ich ganz allein schaffe, jedes Instrument und jede Stimme allein aufnehmen. Oft stellte ich fest, dass ich an dem Instrument, das ich gerade spielte, nicht gut genug war, um die musikalische Idee in meinem Kopf umzusetzen. Statt mich entmutigen zu lassen, übte ich mich in Geduld und entschied mich, es als Chance zum Wachsen zu sehen.
Das Ziel neu einordnen
Das Ziel, KAN zu machen, ließ sich auf viele Arten fassen, und je nachdem, worauf ich mich konzentrierte, führte es mich zu einem anderen Gefühl, einem anderen inneren Zustand, einer anderen Motivation und einer anderen Vorstellung davon, wohin ich gehe. Es beeinflusste auch, wie ich es produzierte, bis hin zu den musikalischen und produktionstechnischen Entscheidungen.
Also versuchte ich, die ganze Konstellation von Zielen sichtbar zu machen, die im Ziel, KAN zu machen, steckten, und meinen Fokus zwischen ihnen zu verschieben, um positiv, ausgeglichen und so konzentriert wie möglich zu bleiben:
Das Ziel war, ein großartiges musikalisches Erlebnis zu schaffen.
Das Ziel war zu lernen, wie man ein großartiges musikalisches Erlebnis schafft. Wie man aufnimmt, wie man mischt.
Das Ziel war, an jedem Instrument besser zu werden.
Das Ziel war, jemand zu werden, der zu Ende bringt, was er anfängt.
Zu sehen, was ich ganz allein erschaffen kann.
Das Ziel war, durch den kreativen Prozess mehr über mich selbst zu entdecken.
Das Ziel war, ein klarerer Kanal zu werden, durch den universelle Inspiration und Kreativität fließen können.
Einen Soundtrack abliefern, der für KAN Tulum passt.
Mein Gehör zu schärfen.
In der Praxis lief das so. Wenn mir kein sauberer Take einer Gitarrenspur gelang, ließ das Ziel „ein Album in Spitzenqualität abliefern“ jedes Schnarren wie ein Scheitern wirken, und so bleibt man kaum motiviert. Den Fokus auf „meine Fähigkeiten auf jedem Instrument verbessern“ zu verlegen, machte denselben Nachmittag zu genau dem, wofür er da war. Das Aufnahmeprojekt wurde zu einem Werkzeug im Dienst meines Gitarrenspiels.
Bei der Technik war es genauso. Vier Mikrofonkonfigurationen am Schlagzeug auszuprobieren war langsam, und gemessen am Ziel, fertig zu werden, wirkte es wie ein Hindernis. Gemessen am Ziel zu lernen, wie man ein großartiges musikalisches Erlebnis schafft, wie man aufnimmt, mischt, einen Preamp auswählt und einstellt, war es das Ziel selbst. Ich hatte Erfolg mit genau dem, was ich mir vorgenommen hatte.
Warum ich nicht so großartig bin, wie es vielleicht scheint
Ohne Zweifel war KAN eine große Leistung, und ich war ehrlich erstaunt über das, was ich geschafft habe. Das will ich nicht kleinreden. Aber ich finde es wichtig, auch die Schwachstellen offen zu zeigen statt nur den Erfolg.
Manchmal Unmengen von Takes für einen guten. Die Gesangs-Takes sind echt, ohne Autotune oder Nachbearbeitung, aber nicht immer konstant. Schnarrende Gitarrensaiten.
Die Manouche-Gitarre wurde Akkord für Akkord aufgenommen. Hand auf einen Akkord setzen, eine Minute aufnehmen, das Voicing für den nächsten Akkord herausfinden, eine Minute aufnehmen, weiter, bis alle Akkorde aufgenommen sind, die bestklingenden Loops jedes Akkords herausziehen, die Akkordfolge zusammensetzen. Ein professioneller Manouche-Gitarrist könnte das mühelos, und sogar besser, in einem Take spielen, aber diese Geläufigkeit habe ich noch nicht.
Das Klavier ist MIDI. Ich habe es live eingespielt, aber das MIDI in der Nachbearbeitung angepasst, wo nötig. Am Keyboard bin ich auch nicht so sicher, wie ich es gern wäre.
Quantisierung in Lluvia Azul. An manchen Stellen saßen die verzahnten Rhythmen nicht. Manchmal habe ich sie neu aufgenommen, manchmal in der Nachbearbeitung angepasst.
Pitch-Korrektur an den Instrumenten, und in Dreams Become Reality ein Stimmungsunterschied zwischen Stimme und Streichern.
Hilfe von Cualli beim Mix von Rhythm of the Jungle. Hilfe von Chema beim Mix aller Drums, und überhaupt.
Das Gefühl, nie etwas fertig zu bekommen
Als ich Tocando las Estrellas fertig hatte, gab es einen großen emotionalen Durchbruch, und später noch einen, als der ganze Soundtrack fertig war. Der äußere Druck zu wissen, dass Sam auf mich zählte, half sehr, bis zum Ende weiterzuarbeiten. Ebenso die Kraft einer festen Entscheidung, dranzubleiben und immer wieder anzutreten.
Vor KAN bin ich oft von Projekt zu Projekt gesprungen und habe eine Spur unfertiger Arbeit hinterlassen, Less Than Three darunter. Kleinere Werke hatte ich fertiggestellt, aber zum ersten Mal habe ich ein großes Projekt ganz bis zum Ende gebracht, und mir endlich zu beweisen, dass ich es kann, hat mein Leben verändert.
Es ist wichtiger, ein Projekt abzuschließen, als am perfekten Projekt zu arbeiten.
Ich wollte mich für möglichst große Teile des KAN-Soundtracks selbst beim Spielen echter Instrumente aufnehmen. Ich hätte zum Beispiel leicht ein großartig klingendes Sample einer Handpan oder Zungentrommel finden können, aber ich wollte so weit wie möglich meine persönliche menschliche Note darin haben, es mir anhören und mich erinnern, wie ich es mit meinen eigenen zwei Händen aufgenommen habe. Es sollte nicht wie jeder andere Track klingen, der ein großartiges Handpan-Sample aus einer beliebten Library nutzt, sondern seinen eigenen Klang haben: den Klang meines selbstgebauten Studios, die natürlichen Resonanzen, die aus dem Zusammenspiel der Frequenzen im Körper der Trommel entstehen. Ich wollte, dass es echt ist, auch wenn Programmieren einfacher gewesen wäre.
Für Equipment-Fans: was ich gekauft habe und warum
Gutes Preis-Leistungs-Verhältnis, ein paar Stufen höher
Den Großteil meines Lebens hat mich günstiges Equipment mit hohem Gegenwert angezogen. Es ist erstaunlich, den Fortschritt der Musiktechnik zu sehen, und ich finde es toll, wie guten Klang man heute für wie wenig Geld bekommt, während ständig neues Equipment erscheint. Selbst als ernsthafter Berufsmusiker fand ich es irgendwie verantwortungsvoller, gutes günstiges Equipment zu kaufen und dann kreative, findige Wege zu suchen, das Beste herauszuholen, statt Höchstpreise für Premium-Markengeräte zu zahlen. Ich dachte, wenn ich achtzig Prozent der Qualität für zwanzig Prozent des Preises bekomme, ist das verantwortungsvoller.
Aber für KAN fühlte sich dieser Qualitätsunterschied von zwanzig Prozent wichtig an, also beschloss ich, mit einer anderen Haltung zu experimentieren. Mir wurde klar, dass günstiges Equipment für den Preis erstaunlich gut klingen kann. Aber „für den Preis“ ist nicht dasselbe wie „klingt erstaunlich gut, Punkt“. Was, wenn ich meine Liebe zu preiswertem Equipment behalte, sie aber ein paar Stufen höher anwende? Statt fünfzig Dollar für ein Mikrofon auszugeben, das nach dreihundert klingt, warum nicht dreihundert für eines, das nach fünfzehnhundert klingt?
Was ich tatsächlich gekauft habe
Ein Matched Pair Stellar-X2-Mikrofone und ein Stellar X2 Vintage für eine andere Klangfarbe, und damit habe ich fast alles aufgenommen, unterschiedlich platziert. Das Audiointerface war eine schwere Entscheidung, aber schließlich tat ich etwas, was ich früher nie getan hätte, und kaufte die etablierte Marke für Prosumer-Audio, das Universal Audio Apollo Twin X. Die guten günstigen Interfaces, die ich vorher hatte, hatten mich beeindruckt, aber nach einem A/B-Vergleich identischer Setups an verschiedenen Interfaces war ich erstaunt, dass das UA wirklich viel besser klang. Die Investition hat sich absolut gelohnt, zumal Samuel Gordon mir das Budget dafür gab. Außerdem habe ich meine Studiomonitore auf ein Paar Kali IN-5 aufgerüstet, um Welten besser als mein altes Paar.
Ich hatte nicht das Budget für Premium überall, also fand ich ordentliche günstige Instrumente, baute die Akustikpaneele selbst und nutzte dicke Baumrinde, die ich bei meinen Wanderungen im Wald gesammelt hatte, als Diffusor. Ich fand heraus, wo sich eine hochwertigere Investition am meisten lohnt und wo ich sparen konnte, damit alles funktioniert.
Ganz anhören
Der KAN-Soundtrack ermutigt dich, in eine harmonische Wirklichkeit einzutreten.
KAN ist instrumental, filmisch und in Stimmungen gebaut, also genau das, wonach ein Music Supervisor meistens sucht. Mir gehören alle Rechte daran, deshalb braucht eine Lizenz nur ein Gespräch, nicht fünf.
Ein Hotel rief an und sagte, ich solle machen, was ich will, wie ich will. Wenn du einen Raum, einen Film oder ein Projekt hast, das eigene Musik braucht, erzähl mir, welches Gefühl du suchst.
Komponiert, gespielt, aufgenommen, produziert, gemischt und digital gemastert von Samuel Wexler. Artwork von Morgan Mandala und Randal Roberts. Ursprünglich ein Auftrag von KAN Tulum, dann bekam es ein eigenes Leben. Hilfe beim Mix von Cualli bei Rhythm of the Jungle und von Chema Davila beim Schlagzeug, mit Feedback zum Gesamtmix und analogem Mastering. Veröffentlicht am 17. Mai 2022.
